Rodrigo Cortés: "Desconfío de cualquier cosa que esté desposeída de humor"

Rodrigo Cortés (Orense, 1973) vive un gran momento profesional. El pasado junio se publicó su novela 'Los años extraordinarios' y se convirtió en un éxito de ventas. Ahora, regresa al cine con un proyecto muy especial, 'El amor en su lugar' sobre una compañía de teatro que intenta amenizar con sus obras satíricas la dura vida en el gueto de Varsovia. Una película de supervivencia que es también una carta de amor a la creación artística, al oficio del entretenimiento, a la necesidad de reír, aunque sea en los momentos más difíciles. Cortés dirige, escribe, monta, compone una de las canciones del musical que se recrea sobre el escenario y vuelve a demostrar un virtuosismo tras la cámara que no está reñido con la más pura emoción que desprenden los personajes. El filme ha llegado a las carteleras este viernes. ¿Cómo conoció la historia real de Jerzy Jurandot y su compañía de teatro en el gueto de Varsovia en la que está basada la película? La obra de teatro original la descubrió David Safier, porque estaba documentándose para un estudio. Y a partir de ahí, pergeñó un primer borrador sobre un grupo de actores que tenían que representar esa función mientras tomaban una decisión a vida o muerte antes del toque de queda. ¿Cómo se desarrolló su trabajo de investigación particular? Solo quise leer cosas que se hubieran escrito dentro del gueto entre 1941 y 1945. Se han hecho muchas películas sobre la Segunda Guerra Mundial, pero todas muy limpias a nivel narrativo. Se supone que deberíamos saber lo que pasó allí, lo que se estaba viviendo en ese momento, pero en realidad las informaciones son confusas y contradictorias. Para unos el presidente del consejo judío era un héroe, y para otros un hombre débil, para unos un santo, para otros un traidor. Descubrí que el gueto no era un campo de concentración, sino una sociedad muy jerarquizada. Había ricos que tenían acceso a la carne y a productos de contrabando y pobres que morían congelados por la noche y que no les importaban a nadie. "Siempre he pensado que Wilder creía en la humanidad que, a pesar de su desesperanza, creía en el amor" ¿Tuvo algún tipo de referencia a la hora de abordar el proyecto? Del mismo modo que en 'Buried' las velitas se las encendía a Hitchcock para tratar de acogerme a su magnanimidad, en este caso, sentía que tenía que iluminarme a través de Billy Wilder. Por eso traté de que los diálogos se impregnaran de ese pesimismo divertido, de ese veneno lúcido, pero también de su corazón romántico. Siempre he pensado que Wilder creía en la humanidad que, a pesar de su desesperanza, creía en el amor. Es cierto que tiene un toque muy clásico, pero a la vez muy contemporáneos a nivel de dirección Le di a los actores una lista de películas que querían que vieran para que tuvieran herramientas para después trabajar con ellos. Desde luego, estaba 'Ser o no ser' de Ernst Lubitsch, 'Un dos tres' y 'Berlín, Occidente', de Wilder. En lo referente al ritmo les dije que tendríamos que ser más rápidos que el demonio, que íbamos a pisarnos, solapar los diálogos, casi sin respirar. También les pedí ver 'Abajo el telón', de Tim Robbins, '¡Qué ruina de función!', de Peter Bogdanovich, 'Cabaret', pero también 'Cisne negro', de Aronofsky, para que supieran que en términos de cámara íbamos a ser muy sensoriales. Sus personajes siempre parecen estar encerrados en un entorno opresivo. No es algo de lo que sea consciente, pero es verdad que esta película tiene mucho que ver con 'Buried', porque además transcurre en tiempo real y todos están confinados. Ambas películas son experiencias muy físicas. Son películas no solo para ser vistas, sino para ser experimentadas. Por alguna razón, suelo trabajar en películas en las que los personajes están sometidos a circunstancias que los superan. ¿Cómo imbricó lo que ocurre en el escenario y lo que pasa entre bambalinas? Fue la parte que más miedo me daba, porque era lo que más me interesaba abordar, de qué forma podíamos entrar y salir de la función en marcha desde un punto de vista emocional. Además, a nivel logístico sabía que iba a ser muy complicado porque tenía que manejar varios puntos de vista. Una cosa es lo que ocurre en el escenario, otra lo que comunican los actores a través de la obra y, por último, sus verdaderos sentimientos. El reto era conseguir que todos esos niveles encajaran: los personajes y los papeles que interpretan en escena. "La función siempre debe continuar. Cuando todo está entre tinieblas, alguien puede encender una cerilla y ofrecer algo de luz" ¿A qué retos se enfrentó a nivel de dirección? Porque dominan los planos secuencia y las coreografías formales. Parten de una decisión narrativa. Yo creo que los planos complicados suelen naufragar cuando se sustentan por el puro exhibicionismo. Yo quería que el espectador se integrara dentro de ese teatro para que sintiera de verdad lo que les está pasando a los personajes. Por eso era importante enseñar las tripas del escenario que, por cierto, se rodaron en Terrassa. Creo que es la película más emocionante que ha filmado, y no solo por el tema que aborda. Tiene que ver con que algunas de las películas que he hecho están concebidas como partidas de ajedrez que se ven desde arriba. Los personajes son piezas que responden a decisiones superiores. Aquí no ocurre eso. ¿Qué significa en este contexto el mundo del teatro? Sobre todo, en el momento actual que vivimos. Que la función siempre debe continuar. Eso significa que la creación siempre se abre paso. Cuando todo está entre tinieblas, alguien puede encender una cerilla y ofrecer algo de luz. Como el amor, que siempre es un acto desinteresado, un acto de renuncia y sacrificio. ¿De qué forma era importante el sentido del humor en la película? Desconfío de cualquier cosa que esté desposeída de humor.

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