Arte al rescate: los creadores toman la palabra

Esta es una invitación a quitarse momentáneamente las omnipresentes gafas tecnocientíficas y ver el mundo a través de la lente del pensamiento artístico. Fíjense en la nube de etiquetas que acompañan este texto, generada a partir de una lista de palabras proporcionadas por 20 artistas que practican múltiples disciplinas dentro de las artes visuales. ¿Qué les llama la atención? ¿Qué echan de menos? Las palabras más repetidas, junto a 'imaginación' y 'consciencia', son 'cuidar', 'solidaridad' y 'consuelo', una elección que no encaja con el tópico del artista ensimismado e indescifrable. ¿Y la gran ausente de la lista? La belleza. Ya no está entre las prioridades de estos creadores. En 1970, el diario 'The New York Times' se preguntaba si el papel del artista era cambiar la sociedad. Medio siglo después, el coleccionista y mecenas Antoni Vila Casas, de 90 años, contesta, desde su despacho en la fundación que lleva su nombre, con un rotundo "No": "Cada uno ve en el arte lo que le interesa. Una obra te puede cambiar el ánimo, pero el mundo lo cambian las personas y las actitudes, no el arte". "Las artes visuales ahora tienen que ver más con el lugar que el ser humano ocupa en el mundo y la tremenda injusticia que supone que un 1% de la población lo acapare casi todo" Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía Desde Madrid, el director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, aporta una explicación a las preocupaciones actuales de los artistas: "En las décadas de 1950 y 1960 las artes visuales se medían por la técnica, en los años 80 era la instalación, pero ahora tienen que ver más con el lugar que el ser humano ocupa en el mundo y la tremenda injusticia que supone que un 1% de la población lo acapare prácticamente todo". "La actualidad confirma aspectos del mundo desajustado que ya estaban en el punto de mira de los artistas: del desprecio por la naturaleza al futuro disminuido del individuo ante el progreso desaforado del capitalismo" Teresa Blanch, doctora en Historia del Arte, crítica y curadora Desde su atalaya en una de las principales instituciones museísticas, considera que "habría que reivindicar más la libertad de creación. No se trata solo de creatividad sino de generar activismo. ¿Por qué una reivindicación ecológica no puede ser una actividad artística?". Espacios de resistencia Para Teresa Blanch, doctora en Historia del Arte, crítica y curadora, "la situación actual confirma y hace más evidente aspectos del mundo desajustado que ya estaban en el punto de mira de los artistas: las radicales transformaciones de las relaciones humanas, el desprecio por la naturaleza, el futuro disminuido del individuo ante el progreso desaforado del capitalismo, el colapso de las grandes ciudades…". "La práctica artística se desarrolla en permanente estado de alarma, reinventándose continuamente" Daniel G. Andújar, artista visual, activista y teórico En palabras del artista visual, activista y teórico Daniel G. Andújar: "La práctica artística se desarrolla en permanente estado de alarma, reinventándose continuamente. El artista cuenta con valiosas herramientas, un lenguaje propio, un legado histórico inestimable y un espacio de libertad que le permiten generar espacios de resistencia a un mundo que cada vez está más jerarquizado, controlado, censurado, globalizado y estandarizado". Papel desdibujado Durante la pandemia, científicos y filósofos no dan abasto respondiendo a preguntas que intentan aplacar la incertidumbre y disipar la niebla sobre el futuro. Sin embargo, y al margen de grandes exposiciones o casos puntuales como ahora Jaume Plensa, a los artistas se les tiene poco en cuenta en el día a día. "Se da un prurito de veracidad a todo lo que es el método científico, mientras que el arte se tiene en una consideración más especulativa y mucha gente no entiende lo que aporta al conjunto de la sociedad", opina Andújar. A partir de ahí se establecen una serie de prejuicios que hacen que, en una era de bombardeo constante de imágenes, los artistas visuales no tengan un papel fundamental. Teresa Blanch apunta además a la herencia del franquismo, que ha impedido el acceso a los mayores cambios artísticos que se dieron en el siglo XX creando un vacío de conocimiento. Otras razones son un sistema que se centra en costosas infraestructuras y no en los creadores; una visión del arte como espectáculo y negocio, que no rentabiliza las prácticas artísticas más radicales donde no hay ni obra original ni autor; la ausencia de programas en la televisión pública que hablen de arte de manera desacomplejada. Y, por supuesto, la precariedad. Renta básica universal "La precariedad es el hashtag del siglo XXI para todo el mundo y como la sociedad no ve el arte como una profesión necesaria siempre somos los más precarios", asegura Erik Harley, uno de los portavoces de la Plataforma Associativa d’Artistes Visuals de Catalunya. Con más de 200 miembros, esta entidad reivindica, entre otras cosas, una renta básica universal para los creadores. "El arte no es un lujo, es una obligación para asegurarnos de que dentro de 100 años no sigamos con las mismas dinámicas" Erik Harley, portavoz de la Plataforma Associativa d’Artistes Visuals de Catalunya "El arte no es un lujo, es una obligación para asegurarnos de que dentro de 100 años no sigamos con las mismas dinámicas –sigue Harley–. Hoy las artes visuales son tan amplias que van desde la inteligencia artificial hasta la filosofía y deberían estar presentes con normalidad en escuelas, hospitales, empresas, residencias…". Incluso los museos, apunta Manuel Borja-Villel, deberían dejar de ser lugares de visita para convertirse en "espacios habitables" donde compartir la experiencia artística. "Tenemos que reflexionar sobre las bases de la cultura que hemos heredado –concluye el director del museo Reina Sofía–. Las instituciones son custodios, pero el arte no es suyo, ni siquiera del Estado; el arte es de todos". ¿Cuál debería ser la contribución del arte y el compromiso del artista en un mundo incierto, precario y pandémico? Contestan 20 artistas Eulàlia Valldosera Vilafranca del Penedès, 1963. "La práctica del arte abre nuestro canal para acceder a una realidad mayor. Por lo tanto, es esencial dotar y entregar al colectivo herramientas creativas y hacerlo participativo" Pep Agut Terrassa, 1961. "Las Artes son parte de la cadena trófica del Capitalismo (i/o del Socialismo, i/o del Comunismo). Se desarrollan a menudo con la misma forma de las pandemias, y lo hacen así porque los artistas nos comprometemos siempre con el bolsillo del mejor postor. Producimos incertidumbre (cuestionamiento) y, paradójicamente, también construimos parte del cuidado (para garantizarnos un trabajo con la siguiente pandemia)… Sí, desde hace milenios" Fina Miralles Sabadell, 1950. "El artista tiene un camino personal y único que le permite ir más allá de lo que ven los ojos, por eso se adelanta al físico. Pero el artista no es la expresión de su tiempo, sino de todos los tiempos. Su estructura de ser profundo la construye yendo hacia dentro, no mirando hacia fuera. Todo el mundo puede hacer este camino interior, pero es un trabajo personal e intransferible". Mabel Palacín Barcelona, 1965. "El arte puede contribuir enormemente a mejorar la situación porque es el lugar donde pueden pensarse cosas que no son ni pensables ni imaginables en otros lugares, pero hay que permitirle la posibilidad de existir y desarrollarse. Siento que la pregunta nos atribuye a los artistas un poder que en realidad en nuestra ciudad no se nos otorga, o al menos, no eficazmente". Antoni Llena "La pandemia ha evidenciado lo que los artistas de todas las épocas siempre han sabido: que todo pende de un hilo. Que los grandes discursos son humo, que la exactitud de la pintura viene de un color bien puesto, la de una música de un sonido imperceptible que le da vibración… La pandemia nos está enseñando a vivir en el espacio de los artistas, que no es otro que la intemperie" Daniela Ortiz Cuzco, 1985. "Tenemos una responsabilidad inmensa, al trabajar para instituciones públicas, para quien financia nuestro trabajo, que no es el ‘estado’ sino la clase trabajadora: temporeros, trabajadoras domésticas, camareras, cuidadoras, etcétera. Para mí es imprescindible poner nuestro conocimiento al servicio de la lucha contra el racismo institucional y la continuidad de la violencia colonial". Joan Fontcuberta Barcelona, 1955. "Prefiero huir de grandes declaraciones. El arte que me interesa es aquel que se reconoce humilde y sin demasiadas pretensiones, quizá con voluntad de servicio, intentando enseñar un poco a pensar, a mirar y a sentir. Me gusta imaginar el arte como un laboratorio de ideas: ideas que nos ayuden ahora a paliar la incertidumbre, pero también todo aquello que nos pueda afectar". Dora García Valladolid, 1965. "Mi sentimiento como artista es el mismo que como persona, ciudadano y miembro de una comunidad: que sobre todo debemos evitar volver a donde estábamos antes de la pandemia: debemos intentar vivir de otra manera". Joan Casellas Teià, 1960. "La distancia marca nuestra época, por seguridad sanitaria pero también por conveniencia económica. ‘¿Quién puede hablar con el señor google?’ Un camino del arte es la proximidad, la intimidad y el lujo, entendido como algo antagónico al consumismo; una cuestión de espacio, tiempo y vida analógica, ¡el nuevo derecho a reivindicar!". Svetlana Limnios Tomsk, 1980. "Estamos entrando en un nuevo escenario de conciencia al vivir esta crisis moral e histórica. Un artista en cualquier contexto histórico tiene el potencial de revelar los aspectos alternativos de la realidad, pero el arte solo puede contribuir cuando existen los receptores sociales adecuados". Ana Álvarez-Errecalde Bahía Blanca, 1973. "Hay un arte comprometido que realza la esencia de lo que nos hace humanos y denuncia abusos que denigran y también un arte repetitivo, banal, cómplice y consecuente con los intereses del mercado, que es propaganda y humo. Para mí la contribución del arte radica en ampliar la mirada, aportar nuevas formas de concebirnos e integrar experiencias rechazadas". Riaq Miuq Sant Just Desvern, 1994. "El arte debería conectarnos con nuestra esencia humana y permitirnos imaginar y ensanchar nuestra consciencia. A mi entender, el artista debería iniciarse en esta búsqueda interna. En esta época de decadencia, la función del arte y de la vida creativa es primordial para construir nuevas cosmovisiones que tanto necesitamos". Manolo Laguillo Madrid, 1953. "El arte alivia y consuela; da a percibir y entender; educa para que resistamos, y nos enseña a afirmar o a decir: ¡No! Cubre zonas ajenas a las otras actividades humanas; integra el sentimiento con el intelecto; razón con emoción. Nos saca de nuestra zona de confort; es el ‘sismógrafo’ de cada tiempo. Por eso, predice". Marta Darder Barcelona, 1963. "Vivir y compartir el arte fusionando la vida en cambio continuo como fuente de riqueza individual i colectiva. Injertar el entorno de fuerza, luz y magia en el día a día y hacer las cosas que nos gustan en cada momento". Marc Vives Barcelona, 1978. "La artista vive instalada desde hace tiempo en la incertidumbre y desde este lugar siempre ha aportado formas de escuchar, de ver y de hacer. No cura enfermedades pero se contagia de todo. Si me imagino una sociedad donde la artista es respetada y tiene un papel relevante, bienvenida sea la responsabilidad. Mientras no tengamos voz y no formemos parte de las estructuras que deciden, no se nos puede pedir más» Eugènia Balcells Barcelona, 1943. "La música, la poesía, la danza, el teatro, las artes visuales, tienen el poder de animarnos, de hacernos más completamente humanos. Pueden hacer que ejercitemos la imaginación para poder cambiar y salir de estas vías muertas, de pensamientos caducos, del tú o yo, de la fría competición, de la lucha feroz, de este lugar sin salida donde nos hemos metido" (fragmento de ‘En confinament’)." Carlos Casas Barcelona, 1974. "El arte es una vacuna contra la ignorancia, la intolerancia, el estancamiento, la división; el arte induce una visión progresiva del mundo, educa, regenera, cura, une, enriquece, prepara el mundo para el entendimiento y la razón del pensamiento futuro. El arte es motor y engranaje entre el presente y el futuro". Pedro Romero Huelva, 1964. "El trabajo del arte está fuera de estas consideraciones políticas. Literalmente se trabaja en el afuera de la ciudad, de la polis, de la política. Ahora bien, la circulación, exposición, comunicación si se quiere, de ese mismo hacer, esto sí que es exactamente política. Entonces, simplemente, ser consciente de cómo estamos actuando en esa operación es ya algo significativo". Lúa Coderch Iquitos, 1982. "El arte es un laboratorio del sentido, entre otras muchas cosas. La práctica artística no solamente se ocupa de abordar los asuntos más urgentes del momento, sino que también trabaja imaginando otras posibilidades, otros modos de estar en el mundo, y las convierte en materia y en acción. Lo más importante es articular esa práctica con otros contextos, más allá de los propios del arte". Mar Arza Castelló, 1976. "La complejidad y la incertidumbre no son novedad, de hecho son una constante que muda la piel. Las vías para intentar aprehender lo que escapa a nuestra comprensión son diversas. La vía de comprensión del arte aglutina la capacidad de disección y análisis y la capacidad simbólica de proyectar imaginar o intuir".

Arte al rescate: los creadores toman la palabra

En un mundo saturado de imágenes y datos, los artistas visuales y conceptuales ponen su capacidad de cuestionarlo todo y de imaginar otras maneras de ver y de vivir al servicio de la sociedad. Falta que les escuchen.

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